Fernando Graziano nasce a Padova nel 1946, dove vive ed opera.
Autodidatta, si propone con le prime partecipazioni a mostre collettive e concorsi, già dal 1974.
In seguito allestisce numerose mostre personali in Italia ed all’estero, consolidando la sua carriera artistica, con ottimo riscontro da parte di pubblico, critica e stampa.
Hanno parlato di lui, infatti numerose riviste specializzate, stampa locale, nazionale ed internazionale.
Le sue opere si trovano presso collezioni private e pubbliche in Italia, Spagna e Belgio.

INDICE DELLE RECENSIONI PRESENTATE
(cliccare sui titoli per accedere direttamente al contenuto):

- La critica di Renato Lamperini
- La critica di Italo Marucci
- La critica di Monica Lazzaretto
- La critica di Silvana Romanin Jacur
- La critica di Francois Matthieu
- L’articolo di Justine Cooper
- La critica di Lodovico Geirut
- La critica di Lucio Favaron

Dalla rivista "ARTE ITALIA "

PERUGIA, settembre 1988

Il corredo linguistico, -il segno,la luce,il volume- sostiene agevolmente il sentimento evocativo di certe ambientazioni di epoche lontane.In effetti l’artista sembra attratto più dalla contemplazione che dalla "ragione pratica",favorendo ,così, il confluire della scienza costruttiva a sostegno della memoria emozionale,ossia,l'assunzione pittorica diviene una specie di metafora delle memoria che sottolinea la ricchezza dei ricordi,sorprendendo per la vivezza dinamica dei personaggi e delle loro ambientazioni.
In questi piani temporali,trova origine la struttura fluida quasi pastellata,che sostiene lo scorrere delle immagini e dello stesso spazio con accorgimenti corposi ma delicati,decisi ma velati.
Un operato artistico validissimo,che meriterebbe una lunga trattazione critica,spazio permettendo.
L'artista vive ed opera a Padova e ha partecipato,con successo, a numerose manifestazioni nazionali qualificate.

Renato Lamperini

Recensione per la mostra collettiva: “PERUGIA NELLA STORIA E NELL’ARTE
CONTEMPORANEA” - La trasparenza interiore della luce

PERUGIA, luglio 1989

Di fronte a un quadro di Graziano si è soprattutto sorpresi da 1uel suo tenue cromatismo, da quel taglio disegnativo particolare.
Graziano Fernando credo che sia sempre rimasto fedele alla sua intima visione, tanto che le nuove espressioni visive subiscono una metamorfosi, e nelle sue immagini diventano pure espressioni :i colori e luce. La luce non è nei quadri di Fernando solo una luce fisica,esterna ma l'espressione di una luce interiore che illumina la sua visione poetica.
Fernando Graziano costruisce il quadro non partendo dal concetto di copiare la natura, bensì riguardando il dato fisico offertogli dalle apparenze di un mondo sensibile interiore, secondo il quale il colore dominante si articola aritmicamente secondo norme compositive dettate dall'armonia esistente fra i vari toni e le diverse tinte: il colore esprime insieme un'emozione e determina il decorativismo dell'opera, mentre il segno colore scandisce ed esalta i ritmi cromatici del colore. Nonostante i valori emotivi, profondamente sentiti, l'opera di Fernando è anche frutto di un deciso processo mentale e di un meticoloso uso del colore.
Come ogni buon manufatto artistico, esso esige da noi il nostro pieno sforzo emotivo e le ricchezza intellettuale per captare delle sue idee, la sua sottile iconografia; per godere della vasta gamma della sua tavolozza, così tesa nel tentativo di esprimere la trascendenza della luce, e la pura armonia della composizione coloristica.
Nelle sue figure Fernando cerca i rapporti tonali, scanditi attraverso una sapiente gradualità coloristica; la solita struttura e l'impostazione di ogni sua opera, conferiscono ai quadri un ritmo musicale ed un soffio di poesia. Nei suoi quadri non vi è nulla di sentimentale ed i più ardui problemi plastici connessi alla creazione vengono risolti con l'abilità di un vecchio maestro;
il suo pennello fa rivivere tutto ciò che ritrae, modellando il colore mediante i più puri accenti tonali;lo rende - conviene ripeterlo - estremamente attuale, trasformando l'impressione in realtà, in immagine definitiva. Lo stile di Graziano Fernando ha una gamma di toni, una forza di sintesi, una profondità di prospettive che stretto ambito della figurazione, specialmente nella figura alla quale, mi preme, sottolinearlo, conferisce un carattere quanto mai originale e inconfondibile.

Italo Marucci

Recensione per la mostra personale organizzata con il patrocinio del
COMUNE DI ABANO TERME – Padova -

ABANO TERME, 10 ottobre 1990

Un'umanità senza volto e senza ombra abita le tele di Graziano. Certamente fantasmi, queste figure vivono in spazi inquietanti, costruiti con enigmatiche geometrie o con un'attenta giustapposizione di oggetti e di piani obliqui. Il corredo linguistico di questo pittore sembra formarsi all'ombra di due grandi movimenti dell'arte italiana: la Metafisica e il Novecento che ispirano a Graziano contenuti e soluzioni formali. Le sue tele rivelano infatti una naturale abilità nel coniugare la struttura compositiva del quadro ed il colore; un attento studio plastico delle forme accompagna infatti ad una meticolosa ricerca tonale. Il pittore ottiene dalla sua tavolozza un pastello luminoso diafano, velato che sottolinea ancor di più l'irrealtà della scena. Nel suo mondo di calma apparente il tempo e' sospeso, lo spazio e' quello evocato dalla memoria il pittore medita in religioso silenzio:
il manichino e il fantoccio si rivelano come segnali, condensazioni di impossibili soluzioni dell'essere proiezioni di un io profondo che cerca risposte e con essere la propria identità di uomo.

Monica Lazzaretto

Recensione per la mostra personale presso il
CENTRO DI CULTURA E SPIRITUALITÀ DI FRÀ BENEDETTO

SILLICO (Lucca), 14 settembre 1991

Non si può non essere piacevolmente colpiti dalla pittura di Graziano, dalla sua naturale abilità nel coniugare un attento studio plastico con una sofisticata ricerca cromatica.
Il pittore predilige forme elementari, essenziali, pulite, sulle quali stende un colore luminoso, ma velato, immerge figure e cose in un'atmosfera irreale che risente dell'eco lontana di un importante movimento pittorico del Novecento: la Metafisica.
Nel suo repertorio di immagini ve n'è una particolarmente amata che ritorna nei suoi quadri: il manichino. Finta presenta, figura mentale prima che umana, questo manichino manca di una vera consistenza fisica; non ha volto e nemmeno possiede l'ombra che segna gli umani. Diviene così per Graziano un segnale enigmatico, il simbolo di una realtà interiore, di un io profondo alla ricerca di una propria identità. Quest'uomo senza volto resta aperto a tutte le possibili fisionomie alle diverse soluzioni da dare all'essere e al suo precario esistere.
Nei manichini di Graziano si assiste ad una condensazione di significato: questa figura assume infatti un'ulteriore valenza simbolica quando si identifica espressamente con il pittore che, pennello e tavolozza alla mano, siede assorto, scruta, attende .....
E' il pittore che riflette sul suo fare artistico e cerca di definire il proprio corredo linguistico.
Fanno spesso da scenario solenni architetture gotiche, geometrie irreali, proiezioni della mente che costituiscono interni inquietanti con aperture e scorci che disorientano.
Siamo di fronte alla sperimentazione di un ordine prospettico decisamente soggettivo che gioca sulla contrapposizione di spazi aperti e chiusi, sulla creazione di piani obliqui con finestre aperte e l'inserimento di quadri nel quadro che rinviano a nuove soluzioni dimensionali. E spesso accade, osservando i quadri di Graziano, che il suo uomo senza volto paradossalmente mi fissi e mi inviti al silenzio, quasi a suggerirmi che la creatività e l'emozione estetica hanno sempre una sfumatura in più che le nostre parole non sanno tradurre.

Monica Lazzaretto

Recensione per la mostra personale presso il
CENTRO DI CULTURA E SPIRITUALITÀ DI FRÀ BENEDETTO

SILLICO (Lucca), 14 maggio 1993

"Gli uomini di genio,allorquando vogliono guardare profondamente entro questo mondo,devono sporgersi come prigionieri alle sbarre della finestra alta, affannarsi, affaticarsi e mettere grandemente in moto tutti i complicati ingranaggi del pensiero e della fantasia". La pittura di Nando può richiamare alla mente questa riflessione che Giorgio de Chirico fece in "Il meccanismo del pensiero" tentando di spiegare la tensione estetica che genera la creazione artistica.
E non e' un caso se il corredo linguistico di questo pittore padovano sembra formarsi all'ombra di questo grande genio dell'avanguardia del novecento e del movimento pittorico del quale fu iniziatore:la Metafisica. La pittura di Nando infatti si affaccia tutta alla "finestra alta", oggetto della sua ricerca è ciò che anima la realtà più profonda, accessibile solo a pochi iniziati. I fantasmi del suo pensiero e della sua fantasia prendono forma nei suoi tipici manichini o uomini senza volto, personaggi misteriosi, unici abitanti di un mondo "altro" che esiste al di là della finestra e delle sue sbarre.
Le sue figure raccontano una storia enigmatica e impenetrabile e tessono tra di loro muti rapporti in un'ambientazione certo meno celebrale di quella
dechirichiana ma che risulta comunque lontana sospesa. Non è dato sapere di più. si può solo interpretare, e tentare di cogliere e decifrare simboli e segni nascosti, segnali che spesso condensano un significato ermetico.
Le tele di questo pittore presentano un'ambientazione quasi surreale: le prospettive hanno la capacità di strutturare perfettamente lo spazio del dipinto secondo un ordine percettivo spesso impeccabile ma spaesante. La realtà presentata sembra essere in bilico: l'insicurezza di chi osserva questi dipinti è aumentata dalla presenza di diagonali azzardate, contrapposizioni severe di spazi aperti e chiusi, scorci spesso incorniciati da finestre o da "quadri nel quadro" posti su un cavalletto che aprono e rinviano a nuovi ulteriori "sfondamenti" nel dipinto.
Nando dimostra poi di essere molto attento al "fare" pittorico, in alcuni quadri infatti il soggetto vero del suo dipinto risulta essere la pittura stessa intesa come ritrovata maestria. In queste opere viene così affermato il primato del mezzo artistico attraverso una continua sperimentazione di materiali nuovi: cementite, graffiato, vernici e polveri dorate. Solitamente si tratta di materiali poveri, artigianali che sulla tela permettono a Nando di ottenere effetti cromatici e materici di indubbio interesse che premiano la sua raffinata ricerca della corretta gradazione luminosa e del giusto tono cromatico.
Scorci e piani obliqui spaesanti, colore pastellato spesso, una luminosità diafana e velata, fanno da scenario, e ben si accordano, con il protagonista solitario delle tele di questo pittore: il suo uomo senza volto. Questo manichino a volte veste i panni del pittore stesso, a volte quelli del vate moderno e sembra aver stretto un compromesso con il mondo; oracolo colto nel momento silenzioso dell'ascolto, sembra quasi disposto a svelare i segreti profondi dell'esistere, in procinto di dare la risposta tanto attesa e risolutrice.
Questo uomo senza volto si rivela così carico di promesse per la vita, di possibilità aperte e accessibili non solo agli dei e agli eroi di mitica memoria ma anche, e semplicemente, agli uomini.

Monica Lazzaretto

Recensione per la mostra personale presso la
GALLERIA “IL SIGILLO” – UNIVERSITÀ POPOLARE DI PADOVA

Padova, ottobre 1994

Un richiamo inatteso, di là dal tempo, giunge da Fernando Graziano, pittore silenzioso, attento oggi a un messaggio metafisico aleggiante attorno ai primi decenni del novecento dalle tele di De Chirico, di Carrà, del primo Sironi, di Savinio.
Momento di mistero sospeso nel vuoto magico delle piazze arcate, sopra i manichini senza volto, fra i binari incrociati nella notte: tempo di suggestione e di attesa perduta, richiamata dal nulla. La pittura di Graziano vive di evocazione, vive di personaggi senza volto, apparizioni imprevedibili, passate nell’ombra di un istante, da un mondo immemoriale, alla realtà contingente.
Una sensazione di instabilità costante sposta le immagini nell’ambito di un surrealismo onirico a noi vicino, pur mantenendo un linguaggio di primo novecento, che si lega anche al decorativismo Klimntiano: il personaggio, presenza al confine della realtà, emerge dal disegno sbiadito della carta o dal gioco delle pietre della parete e di lì racconta una storia ormai cancellata, fra essere e non essere.
Interessante il gioco geometrico-spaziale che si propone come ragione e insieme come corollario dell’evocazione, sottolineandone l’ambiguità, allargata puntigliosamente a ogni particolare.
Interessante ed inconsueta, infine, la posizione stessa dell’artista, che opera nel solco di un passato quasi dimenticato e lo rende attuale o meglio lo enuclea dal tempo per una sottile ed assai rara percezione esoterica, dominante e valida di là da ogni connotazione stilistica.

Silvana Weiller Romanin Jacur

Recensione per la mostra personale a
SANTA CRUZ DI TENERIFE – Isole Canarie, Spagna -

Los Cristianos, ottobre 1995

Si può accettare come sintesi di ricerca permanente sull'espressione pittorica la frase del Cezanne del 1904: "Ogni cosa nella natura può essere ridotta al cilindro e al cono". Personalmente riconosco in questa affermazione la fonte più limpida e manifesta di una concezione nuova della pittura, direttamente introduttiva alla pittura moderna, astrattismo puro escluso e solo per la sua espressione quasi immediata e in ogni caso la pittura. esplosiva e la pittura rumorosa: il Cubismo.
Se un giorno si dovesse ricollegare Fernando Graziano agli antecedenti diretti della sua pittura, in una storia della pittura italiana del 900, e' a un quadro di Picasso, "Les Demoiselles d'Avynio" (Carrer di Barcellona), diventato per ignoranza "Les demoiselles d'Avignon", che si dovrebbe risalire; anche e il nostro non trae ispirazione da nessuno. Invero ci sono dei geni atavici che percorrono tutta la storia dell'arte e, di tempo in tempo, riaffiorano per dare forma a un'ispirazione creatrice originale.
Si dovrebbe aggiungere subito che Fernando Graziano bracca realmente le figure e gli oggetti ma senza mai polverizzarli, senza mai togliere loro lo spazio colorato della loro propria personalità.
Non c'e in lui, come nei Cubisti, una critica deliberata dalla ragione, ma piuttosto un sogno a occhi aperti in cui dei fantasmi di storia s'appostano e scoprono parte del loro mistero; e "l'incoerenza del sogno o quella di un racconto sospeso a meta" per dirla come Antonina Vallentin: e' la magia del pittore. Certo se l'arte del nostro pittore è di matrice internazionale, l'espressione pittorica matrice cubista, a lui familiare è tipicamente italiana, e nelle sue scelte formali ci rimanda alla pittura metafisica del Carrà, del De Chirico e del Morandi.
Occorre però prendere le distanze dai grandi esempi della pittura metafisica: se i Metafisici, contrariamente ai Cubisti, hanno recuperato il colore e abbandonato la loro rabbia e violenza rivoluzionaria, ai Metafisici Graziano aggiunge la selenita e li introduce nella quotidianità
Non troveremo mai nella sua pittura questa noia snob, questa melanconica borghese alla quale non scappa sempre Giorgio De Chirico per esempio, con il suo mondo di statue spaesate che vivono il loro sogno di pietra, specie di campioni di storia pietrificati sotto la luna.
Alla eterogeneità delle culture semplicemente accostate, Fernando sostituisce l’ unità della vita in una molteplicità di situazioni semplici lette in contesti storici diversi.
Ma è vero certo che, come nei Metafisici, gli organi di senso, particolarmente gli occhi ( però che cosa erano diventati per i Cubisti?), spariscono; o più esattamente nella forza interiore delle forme semplificate, alcune sottolineate, privilegiate, altre appena accennate, che però vivevano all’ occhio attento o all’ animo in ascolto il messaggio di una vita che l’ istante raccoglie, decodifica!
Davanti a noi il quadro crea ogni volta la sua propria attualità, ma in Graziano questo avviene senza che una concessione più intellettuale che visiva alteri il quadro.
Rifiutandosi alla freddezza del puro intelletto, scoglio permanente dei Metafisici, Fernando ci apre alla profondità dei sensi spirituali ed a una percezione mistica dell’ esistenza.
In lui, calmo, sereno, solare, il sentimento trasuda da ogni punto della tela. Non incontriamo contrasti violenti, brutalità di tocco; nessun lirismo: è l'anima pacifica del tempo che invade gli esseri l'abitano.
Non vediamo manichini o automi ma delle persone vive, degli oggetti animati, ognuno proposto senza alcun narcisismo; tanto che, per illustrare questo mondo dei "manichini" di Graziano, di oggetti insoliti, rimanderei piuttosto alla serie di disegni "Le bizzarrie" del Bracelli (1624 -1649), mirabilmente analizzati da Tzara, dove l'umorismo esercitato sulle forme, cui il corpo umano e' sempre percorso e invaso dai sentimenti. E' la stessa sensibilità, tradotta in questo tocco di surrealismo, che e' espressa spesso nei quadri di Graziano. Per concludere questa breve e manifestamente lacunare presentazione, sottolineerò che Graziano ha scelto una materia pitturale tutta sua che rammenta l'affresco.
E' l'essenziale ricordo di quanto si pur risentire dopo una vista alla Cappella degli Scrovegni, o di quanto rimane del Mantegna nella Chiesa degli Eremitani, o di una giornata a Ravenna, ricordo tradotto con risorgive in un quadro fissando un momento della vita, come per incantesimo, ma per l'eternità.

Francois Matthieu

Dall’articolo sulla mostra personale a
SANTA CRUZ DI TENERIFE
Isole Canarie – Spagna -

“HOLIDAY GAZETE” -
“ Celebrated artist moves to the Canaries”

Los Cristianos, ottobre 1995

Questo mese ci avviciniamo all'isola di Tenerife per dare uno sguardo alle opere di Fernando Graziano, uno degli artisti contemporanei italiani molto apprezzati. Graziano Fernando ebbe numerose esposizioni di successo in Italia ed è stato sempre celebrato da importanti riviste da critici d'arte. Essenzialmente la pittura di Fernando Graziano ricorda sia l'Arte Metafisica Italiana, che l'Arte Italiana dell'inizio del secolo. Se si dà una prima occhiata ai suoi quadri non si può non notare l'armonioso equilibrio dei colori. Da una parte questi sono estremamente sottili, delicati, dall'altra essi sono pieni di vitalità.
Non ci sono né troppo espressivi, né intricati tratti di pennello, il che ovviamente aiuta la fluidità delle opere, ma crea anche un certo senso di inquietudine. In altre parole le opere di Fernando sembrano cogliere una quasi sospesa forza vitale. L'uso della luce è importante tanto quanto l'uso del colore e aggiunge ancora un'altra dimensione all'opera dell'artista.
Come Italo Marucci ha scritto per la recensione della mostra "Perugia nella storia e nell'arte contemporanea"la luce nei quadri di Graziano non è solo l'espressione di una profonda propria visione poetica una luce esteriore e fisica, ma chiarezza che illumina la sua visione poetica.
Anche se qualcuno può trovare inizialmente la visione dell'artista un po' oscura, la combinazione di armonia, di equilibrio e di un sentimento di un tempo sospeso in qualche luogo sconosciuto crea un'energia emozionale con la quale chi osserva l'opera può facilmente interagire con essa.
Renato Lamperini, direttore della rivista Arte Italia accuratamente descrive questo sentimento emotivo: "La forma, il colore, la luce, l'intera opera, supporta i sentimenti evocativi di un tempo passato".
Un altro aspetto importante dell'opera di Fernando è l'immagine di un'umanità senza volto (uomini e donne privi di alcuna caratteristica o espressione facciale) i vivi, ma quasi intrappolati nel pensiero.
Come Monica Lazzaretto ha scritto per la recensione della mostra Abano Terme "l'artista medita in religioso silenzio: il manichino ed il fantoccio si rivelano come segnali, dell'essere, proiezioni condensazioni di impossibili soluzioni di un io profondo che cerca risposte e con esse la propria identità di uomo" .
Tenendo a mente tutti questi fattori, Fernando Graziano non è solo un artista eccezionale, creando "arte per arte", egli è affascinato dal riuscire a stimolare l'inconscio della psiche, che è intrappolato, nella realtà.

Justin Cooper

La recensione di Lodovico Gierut

Marina di Pietrasanta (Lucca), settembre 1996

Due recenti presenze di Fernando Graziano in Toscana con esattezza a Borgo a Mozzano e a Sillico in Lucchesia, mi hanno dato l’opportunità di approfondire non solo la sua conoscenza iniziata alcuni anni fa proprio al Centro Internazionale di Cultura e Spiritualità Frá Benedetto a Sillico di Pieve Fosciana, ma anche l’analisi del suo dipingere, il quale giustamente non si discosta e va di pari passo con il suo stile di vita.
Credo che per presentare un artista, non è che siano necessarie molte parole, giacché il contenuto di quel che fa va direttamente al cospetto del pubblico che nel contempo è il più severo critico e il meno partigiano. In sintesi, penso che sia il “tempo” il motivo guida della sua pittura: un discorrere pacato che non concede spazio al clamore, inserendosi nelle maglie creative di un gusto cromatico raffinato, ottimamente sorretto da una composizione grafica mirata all’essenziale (che mai cade nel tranello degli orpelli e dell’eccesso retorico. È interessante osservare la varietà delle tematiche affrontate con infinito amore e bravura tecnica: l’archetipo che insiste sulle tavole e sulle tele, è materialmente la stesura medesima del colore ad olio lavorato in maniera tale da sembrare affresco, il quale di sposta da specie di modulo di fondo, con due toni, due abbinamenti cioè, tipo l’azzurro e il rosa, il grigio e il celeste. Nel rettangolo magico, Graziano inserisce i suoi equilibri compositivi che prendendo corpo diventano figura, natura morta o paesaggio.Pure in un “vaso con pesci”, uno dei quadri di recente esecuzione apprezzatissimi da un pubblico scelto che ne segue le vicende artistiche nel padovano come in Toscana, ma anche nelle uscite internazionali, si ritrova la costante inclinazione del graffiato, vale adire dell’intervento a secco realizzato dopo che il colore si è decantato stesura dopo stesura.
Un intervento compiuto con un gesto personalissimo che facendo riaffiorare chiarori e bagliori cromatici già inseriti, rende la misura della sua sensibilità, come un ulteriore prova di poesia che tratteggia lo scorrere di quel tempo da me definito in precedenza.
Il suo viaggio nel tempo dell’oggi e di ieri, si colloca semplicemente concentrandosi nelle emozioni ragionate che sfociano attimo dopo attimo in una scolarità e chiarezza d’espressione da gustare silenziosamente, se possibile negli ambienti più atti alla riflessione ed alla spiritualità; la sua pittura non è un fatto di gioco o di infatuazione, ma di severo impegno creativo il quale può aprirci la finestra su scoperte nuove in un mondo di oggetti e di persone.
“ Non incontriamo contrasti violenti, brutalità di tocco” scrive Frá Benedetto, ed è anche in tali parole che troviamo la chiave tramite cui leggere a andare al fondo incanalandoci nella comprensione totale: delicatamente, quietamente ma con decisa maestria il pennello di Fernando Graziano si incunea facendosi piega e stesura ampia nel colore che diventa contemplazione di un mondo di cui l’Artista è parte attiva e indagatrice del visibile e del non visibile, sentimento di un tempo che si realizza proponendo un meditato colloquio fra la sua tela e coloro che le sono davanti.

La recensione di Lucio Favaron

Padova, 18/05/2002

Osservando con gli occhi dell’ introspezione un suo dipinto dal titolo “Pensieri” mi sorge, spontanea, una citazione del poeta tedesco Heinrich Heine (1797-1865 / Reisebilder/ Lieder) “Che cos’e’ il piacere, se non un dolore stranamente dolce?” Ecco, mi sembrano adeguate queste parole per Fernando Graziano, perché in lui si vive, si nota, si capisce che il suo modo di dipingere, di proporre le sue immagini, è generato da una mirabile fusione di sentimento e d’ironia.
E’ difficile, estremamente difficile, poter dire di più o meglio di quanto gli interpreti della sua tematica artistica e culturale hanno scritto di Lui. Non saprei, né vorrei aggiungere encomio ed ammirazione ad una pittura che ora rimanda ai Senesi, poi si rivolge ai metafisici, senza trascurare sprazzi di cubismo ed infine approda ad una visione intima che trae si ispirazione dai predecessori ( capto influssi da un Masaccio, da un Piero Della Francesca, persino da Mantegna e di un De Chirico maturo). Ma tant’è, Graziano è intimamente ispirato, libero e autonomo da scuole e correnti, pur soggiacendo, teoricamente ed attraverso un accostamento non obliato e operante come presupposto, a ideali storicamente lontani nel tempo. Egli non rappresenta mai l’ orgasmo motorio della lotta, bensì la pazienza e la precisione, esibite come doti naturali; lo indica, lo esprime, lo manifesta e ne sono la prova gli sfondi su cui si stagliano e si amplificano figure di un’ umanità universale che dicono: “Noi siamo l’ immanenza, non siamo la transitorietà, noi siamo rivolti al trascendente, oltre la materia sensibile”.
Messaggio medianico? Ognuno è libero d’interpretare come vuole, resta il fatto, però che è impossibile non restare inerti di fronte a scenari che esprimono una forte spiritualità tale da annullare o reprimere immagini di carnalità più supposta che evidente.
Quindi, nella fusione tra sentimento ed ironia trova anche il “gusto” dell’arcano e la propensione alla solitudine per cui ogni sua opera sembra debba ripetere le antiche domande alle quali non sappiamo dare risposta: “Chi siamo? Da dove veniamo? Qual’ è il nostro ruolo effettivo (non apparente) nella Vita?”.

Lucio Favaron

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